Al Museo del Novecento di Milano
Cinque anni di mostre e attività
Un resoconto fra luci e ombre
da
La Repubblica di mercoledì 2 dicembre
Novemila persone in coda
sotto la piaggia. Dalle quattro del pomeriggio all'una di notte. Come
a un concerto rock. Fa impressione il numero di visitatori con cui,
il 6 dicembre del 2010, il Museo del Novecento ha inaugurato la sua
storia. L'allora sindaco Letizia Moratti, dopo una preview per pochi
(500) intimi, accolse il pubblico nella hall e varò quei tre mesi di
ingressi gratuiti che assicurarono al museo la palma d'oro del luogo
d'arte più visitato d'Italia: 400mila presenze registrate fino a
marzo, una media giornaliera che superava le 4.600. Oggi, a cinque
anni di distanza, il Novecento apparecchia una festa, in agenda
domenica, stilando un programma di iniziative, fra visite guidate,
laboratori, musica, teatro, performance e un rinfresco offerto dal
ristorante Giacomo. In attesa di (ri)mettersi in coda per un'altra
affollata giornata di gala, si possono ripercorre questi anni di
attività che hanno restituito a Milano il patrimonio prezioso delle
collezioni d'arte moderna e regalato alla città un museo allegro e
vitale. Ecco allora un primo bilancio. Positivo, con qualche punto
debole da inserire nella lista delle urgenze. Partiamo dal percorso,
ricco di 400 opere, selezionate da un nucleo di 2.500, dipanato fra
le avanguardie storiche del secolo breve e il fatidico 1968, anno di
svolta sociale in cui l'arte moderna ha ceduto il passo al
contemporaneo duro e puro. I pezzi sono capolavori da manuale: il
Ritratto di Guillaume di Modigliani, Elasticità di
Boccioni, Il cavaliere rosso di Carrà (la Moratti lo volle
come immagine-guida, preferendolo al più proletario Quarto Stato
di Pellizza), la Natura Morta con Manichino di Morandi, La
sete di Martini, fino al neon di Fontana che illumina ogni sera
piazza Duomo dall'alto. Peccato che l'allestimento, poco agile, non
permetta turnover dai depositi, rotazione delle opere o inversioni di
rotta. A proposito del Quarto Stato, resta irrisolta la sua
collocazione nella nicchia lungo la rampa elicoidale progettata da
Italo Rota: un loculo buio che ne restringe la visione. S'è parlato
più volte di spostarlo, anche con una techno teca all'ingresso, ma
per ora rimane nell'ombra. In sospeso pure l'ipotesi di un
collegamento col pianoterra di Palazzo Reale, per aggiungere nuovi
spazi al museo. Bell'idea, ma insabbiata. E così, mentre i
visitatori si perdono in un cammino difficoltoso, che manca di
indicazioni e abbonda di scale mobili, si discute di come trovare
sale per le esposizioni temporanee. Fino ad ora, mostre splendide
come “Tecnica mista” o la liaison creativa fra Fontana e Klein,
“Munari politecnico” o la polvere di stelle di Warhol, sono state
distribuite lungo il percorso e nella manica lunga che affaccia su
via Marconi. Ma l'ultima importante donazione (su 80 lasciti siglati
in questi anni), ovvero le 600 opere della collezione Bertolini,
verranno (in parte) collocate proprio nella manica, ingessando
l'unico spazio elastico. «Quello
delle mostre è il lato critico che va affrontato. Il Museo ha
bisogno di affermare la sua identità con offerte precise»
dice Claudio Salsi direttore del Settore musei delegato a gestire il
Novecento fino al cambio di Giunta. Suo il compito di sostituire
Marina Pugliese che, partita per gli States, ha lasciato il posto
vacante. E che, da San Francisco commenta: «Spero
che la prossima amministrazione indica subito un concorso. I milanesi
sono fieri di questo museo e bisogna continuare a coinvolgerli».
Pugno di ferro in guanto di velluto, la Pugliese ha distinto con
acume i programmi del Polo Otto e Novecento, nei progetti di mostre
scientifiche e nelle vivaci attività collaterali, dai corsi di yoga
alla scrittura creativa con la scuola Holden di Baricco. Purtroppo,
per ora di altri progetti si parla poco. A parte di una mostra su
Boccioni che, a primavera, sposterà il cuore della sala sul
futurismo a Palazzo Reale. Speriamo non sia solo un trasloco.
The
first room is a leap into the unknown. Deep shadows and the darkest
of iron used to cover the floors and volumes, according to the
project of setting up “in black” by Mario Bellini, welcome
visitors into a gloomy forest illuminated by the light of faith. The
Madonna of San Giorgio alla Costa
and the Badia Polyptych
emerge from the shade like apparitions: an epiphany of painting.
Giotto di Bondone (1267-1337), known simply as Giotto, was the Dante
of Italian art, the father of a modern language, a divine comedy
comprised of saints and Madonna’s that widens the heart and mind
with its open spaces, living nature, profound humanity. A dolce
stil novo (sweet new style) told by the
“Giotto, l'Italia”
(“Giotto, Italy”) exhibition, open beginning today at the Royal
Palace, through 14 major works, masterpieces that have been familiar
to us since high school. Curated by Serena Romano and Pietro
Petraroia, produced by the city hall and by Electa, with an
investment of 1.6 million euro, this exhibition has the great
advantage of being monographic, a “one man show” without flaws or
replacements, no minor works, uncertain attributions, friends,
relatives or future heirs. Just Giotto and a selected group of pieces
for a never-before-seen itinerary. The exhibition held at the Uffizi
Museum in 1937 gathered eight works. It seemed like a miracle. Today,
there are almost twice as many and it is a record. In fact, during
his lifetime, in fifty years of work, Giotto signed about twenty
individual works, including crosses, altarpieces and polyptychs,
beyond the illustrious frescoes spirited throughout Italy. This also
explains the national slant of the title: “Giotto, Italy”, in the
sense that, at the dawn of the Renaissance, his figure, halfway
between craftsman and entrepreneur, courtier and intellectual, became
the symbol of an entire country, a testimonial of a shared culture.
“The protagonist of the fourteenth century star system,” explains
Serena Romano, “Giotto embodies the model of the entrepreneur, of
the creative who conceives ideas and entrusts them to others to
execute. A forefather of Jeff Koons and all of contemporary art where
genius counts and not the execution.” So, it is useless to look for
his imprint between the heads of angels that crowd the coronation of
the Virgin in the splendid Baroncelli
Polyptic of Santa Croce in Florence.
Giotto, prince of a medieval factory, invented the revolutionary
formula of the continuous narration, a single scene that breaks
through the limits of the doors, but who then assigns the task of
completing the painting to his staff. From the first room to the
last, the invitation is clear: look for signs of a revolution. In God
the Father, which came from the
Scrovegni Chapel in Padua, the depth of the throne seems to ‘pierce
the wall’, as Mario Sironi said, and the foreshortened hand
anticipates the famous feet in the foreground of the Dead
Christ by Mantegna by nearly two
centuries. In the polyptych of Santa Reparata in Florence, the
tenderness of baby Jesus and the loving glance of the Saints bring
true sentiments on stage. In the Stefaneschi Polyptych, the
altarpiece painted for the Basilicata of St. Peter that has never
left the Vatican in 700 years of history, there is a chessboard
perspective, an altarpiece within an altarpiece, put together like a
Russian doll, which deceives the senses. In a journey that crosses
Italy and meets with the most illustrious patrons, from the order of
the Franciscans to the papacy, from Roberto d’Angiò to the
Florentine bankers, we discover the fortune of his talent and the
long wave of his fame, which reached Milan and the court of Azzone
Visconti, for whom he painted, right in the Royal Palace, a cycle of
frescoes now lost. The exhibition ends with a medley of quotes by
modern authors bowed to his genius: De Chirico was enchanted by his
‘metaphysical spaces’, and Rothko by his ‘disintegration of
unity’, Klein by his ‘entirely blue monochromes’.
